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Générique

Équipe de soutien

The Mensah Family

Valerie Moss

Collette Murray

Iris Nemani

Kevin Ormsby

Kafi Pierre

Kimberley Rampersad

Audrey Rose

Chris Russell

Robert Sauvey

Tika Simone

Tyler Shaw

Mark Stevens

Merci au Créateur et à nos Ancêtres de nous avoir montré le chemin

Quentin VerCetty

Graphiste

Tony Tran

Conception de site Web

Nicole Crozier 

Traduction

Francine Labelle

Coloriste

Walt Bijan 

Couleurs

Remerciements

Kobéna Aquaa-Harrison

Vashti Arthur

 Zahra Badua

Nathalie Bonjour

Michael Caldwell

Keleshaye Christmas-Simpson

Brendan Jensen

Jason “S-Quire” Johnson

Teagan Cook

Carmelo Galle

Ilter Ibrahimof

Christina Giannelia

Colanthony Humphrey

Virgilia Griffith

Marissa Magneson

Ravi Jain

Distribution

Kevin Fraser est un danseur queer originaire de la Jamaïque. Interprète, acteur, concepteur, activiste et artiste pluridisciplinaire, il s’est donné pour mission de favoriser l’épanouissement des personnes marginalisées, des communautés opprimées, des styles artistiques underground. Sa démarche artistique explore le mélange des cultures, la préservation et l’évolution de la culture à travers le mouvement, la mode, la musique, le théâtre, les arts visuels et le cinéma. Il souhaite démanteler les concepts de création eurocentriques et s’interroge sur l’art noble versus l’art populaire, le corps comme vecteur de message politique, la démarche artistique des Noir·e·s de la communauté LGBTQ2S+. Kevin soutient constamment les jeunes artistes de sa communauté. On le sollicite partout au pays comme animateur et commentateur d’événements queer tels que des bals organisés par VanVogueJam (YVR), VogueYYC, Pink Flamingo (YYC), The Coven (YVR x YYC x YVR), et The Bad Girls Club (YYC).

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KEVIN FRASER

 

Musqueam, Squamish, Tsleil-Waututh Territory/VANCOUVER, BC

(il/lui)

Équipe de création

SONYA MWAMBU

Monteuse

MEG ROE

Conceptrice du son

Interprète, producteur et écrivain, Wayne Burns (il/ils) est originaire de Wagobatik/Truro (Nouvelle-Écosse). Diplômé de l’École nationale de théâtre du Canada, Wayne a travaillé avec des compagnies renommées dont Soulpepper Theatre, Neptune Theatre, Swallow-a-Bicycle Theatre, le Centre national des Arts et Summerworks. On peut le voir actuellement dans la série Olympus (Syfy/Netflix) ainsi que dans Avocado Toast et Slo-Pitch, deux séries primées sur OUTtv. Pour ses films, Wayne a reçu le soutien de L’Office national du film du Canada, du Conseil des arts de Toronto, Inside Out Film Festival ainsi que de la CBC. Il a remporté à deux reprises le prix Theatre Nova Scotia ainsi qu’une nomination au prix ACTRA. Wayne a été nommé « artiste-découverte » par le magazine NOW pour sa prestation dans Miss de Michael Ross Albert, ainsi que pour son leadership créatif dans le cadre de Dark Nights, une série de conversations portant sur l’intersectionnalité. wayneburns.ca  

Originaire de Kampala en Uganda, Sonya Mwambu (elle/ils) a grandi au Canada, vit à Toronto et poursuit une carrière axée sur le montage et sur le film expérimental. Sonya se fascine pour l’intersection des identités par le biais de l’étude des races et des langues tout en découvrant des liens sur son identité culturelle grâce à l’expérimentation dans le monde du cinéma analogique. Ses films, The Shirley Card (2018) et On Embracing the Stranger (2020) sont présentement disponibles dans le cadre de l’exposition The Cut, The Tear & The Remix: Contemporary Collage and Black Futures du McMaster Museum of Arts. D’autre part, son film Banange! (2016) a été présenté par le Goethe- Institut de Johannesburg lors de l’événement The Archive of Forgetfulness. Tout récemment, Sonya a contribué à la programmation de Being Black in Canada (Cinema Politica), et signé la réalisation et le montage de circa (2020) pour la série History Museums Awakenings présentée par la ville de Toronto. Sonya détient un diplôme en production cinématographique de la York University.

Meg Roe (elle/elle) est interprète, metteure en scène, dramaturge et concepteure sonore. Elle a travaillé auprès de compagnies de premier plan au pays dont Crows Theatre, Shaw Festival, Theatre Calgary, Canadian Stage, Factory Theatre, PuSh Festival, Alberta Theatre Projects, Bard on the Beach, Theatre Junction, Citadel Theatre, Ruby Slippers Theatre, Electric Company Theatre, Blackbird Theatre, Theatre Aquarius, Arts Club, Belfry, Theatre SKAM, Manitoba Theatre Centre, Catalyst Theatre, RealWheels, Intrepid Theatre, Elbow Theatre, Vancouver Playhouse, Western Canada Theatre, Centre national des Arts, Centaur Theatre, le Centre des artis de Banff, Yukon Arts Centre, Why Not Theatre et Savage Society. Sur la scène internationale, elle a oeuvré avec The American Conservatory Theatre (San Francisco) et Center Theater Group (Los Angeles). Meg a de plus collaboré avec la chorégraphe Crystal Pite et sa compagnie de réputation internationale, Kidd Pivot. 

WAYNE BURNS

Producteur

TESSEL : Une conversation communautaire
"Il est temps de se parler"

Ce rassemblement est un moyen de poursuivre la conversation en nous demandant ce qui a changé. Depuis le 1er juin 2020 y a-t-il eu un changement dans nos communautés ? De nombreux comités ont été formés, mais avons-nous vu le changement que nous souhaitons réellement ?

Note : Cet événement se déroulera en anglais. 

12h (midi)

GRATUIT EN DIRECT SUR FACEBOOK LIVE (Harbourfront Centre)

26

février

Prenez part au dialogue

Une coprésentation de

coproducteurs exécutifs et principaux commanditaires

supporteur principal

cocommanditaires

avec le soutien de

La réalisatrice Esie Mensah est une artiste pluridisciplinaire dont la créativité s’adapte à tous les styles. Interprète, chorégraphe, metteure en scène, éducatrice et conférencière, elle possède un don de raconteuse aussi riche que sa vaste expérience. D’une énergie inépuisable, Esie a collaboré avec des artistes célèbres tels que Rihanna, Drake et Arcade Fire ainsi qu’avec des compagnies internationales comme Coca-Cola, TIFF et les Toronto Raptors. Comme conférencière dans le cadre de la série TEDxToronto 2019, Esie a partagé son expérience d’interprète et d’artiste noire, décrivant la trajectoire créative de Shades – production qui lui a valu une nomination au prix Dora. Son court métrage A Revolution of Love a inauguré la série Awakenings du Toronto History Museum, aux côtés d’œuvres du célèbre chef Roger Mooking et de Director X. Esie a mené à bien les programmes d’équité et de diversité de Collège Sheridan, de la Royal Academy of Danse et de l'Université de Calgary. Consultante artistique pour l’École nationale de Ballet du Canada, Esie est membre de la faculté du Collège George Brown. Elle travaille sous le mentorat du réputé danseur et chorégraphe britannique Akram Kahn dans le cadre du Why Not Theatre’s Fellowship Program. www.esiemensah.com

ESIE MENSAH

Auteure et réalisatrice

Tkaronto/TORONTO, ON

(elle/elle)

NATASHA POWELL

Tkaronto/TORONTO, ON 

(elle/elle)

La torontoise Natasha Powell évolue dans le milieu de la danse depuis 17 ans. Ses chorégraphies, ses interprétations et sa façon d’enseigner sont empreintes d’une approche expressive du mouvement qui transcende les styles. En 2016, elle fonde HOLLA JAZZ, compagnie dont la mission est de fournir une tribune aux artistes et créateurs émergents pour leur permettre d’improviser, d’explorer et de vivre ensemble des expériences transformatives. La compagnie vise à donner au style jazz dance un nouveau souffle en y incorporant des éléments de hip hop et de house, qui constituent des véhicules d’expression novateurs et importants, tout en permettant aux artistes d’exprimer leur identité en toute liberté par l’esprit du jazz. 

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La communauté des artistes noir·e·s ne constitue pas une entité monolithique. Les défis qui nous préoccupent sont semblables, bien que nos parcours individuels soient uniques, nos expériences de vie singulières et personnelles, et que nous soyons dispersés aux quatre coins du pays. C’est avec gratitude que j’ai collaboré avec des collègues d’autres régions et commencé à établir des alliances dont j’avais tant rêvé.

YVON "CRAZY SMOOTH" SOGLO

Adawe/OTTAWA, ON 

(il/lui)

Interprète, chorégraphe, street dancer, coach, juré et leader communautaire, Yvon Soglo est un artiste consommé. Yvon est fondateur et directeur artistique de Bboyizm, une compagnie primée qui joue un rôle vital pour le rayonnement et la préservation du style street dance au Canada et partout au monde. La compagnie a présenté The Evolution of B-boying, IZM, et Music Creates Opportunity - trois productions majeures – en tournée pancanadienne. En 2012, Bboyizm a reçu une mise en nomination pour le prix Dora et le prix Ontario Presenters Network Emerging Touring Artist of the Year, puis remporté le prix Atlantic Presenters Association Touring Performers of the Year en 2013. Le Centre des Arts de Banff lui a octroyé le prix Clifford E. Lee en 2020 pour son projet In My Body, sur lequel il travaille actuellement à titre d’Artiste Résident Longue Durée 2019-2021 du Centre de Création O Vertigo de Montréal. 

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Je suis si reconnaissant d’avoir pu prendre part à ce film. Quelle chance que de pouvoir établir une complicité avec d’autres artistes de la communauté noire, de converser avec authenticité à propos de nos vies et de nos carrières artistiques respectives. Le projet nous a rappelé l’ampleur, la profondeur de nos expériences vécues. On perçoit parfois les artistes noir·e·s comme une entité monolithique; pourtant, nous possédons des voix uniques, individuelles, qui forment un tout diversifié. Je conserve de cette collaboration un sentiment d’enthousiasme renouvelé à poursuivre mon travail et je contemple avec optimisme nos réalisations à venir.

EUGENE "GeNie" BAFFOE

Win-nipi/ WINNIPEG, MB

 (il/lui)

Danseur, enseignant, acteur, chorégraphe et réalisateur d’origine montréalaise, Eugene "GeNie" Baffoe se spécialise dans le style hip-hop depuis plus de dix ans. Directeur de B.O.S.S Dance Team depuis 2011, il a mis sur pied de nombreux événements dont DANCE 4 MS, The Artist Within, Who’s the iLLEST et BeatMakeUSDance. Chorégraphe du spectacle de la mi-temps des Blue Bombers à deux reprises, il a aussi réglé trois numéros d’ouverture pour l’événement WeDay au Bell MTS Place. Il a été l’un des deux chorégraphes canadiens sélectionnés pour participer à la création de l’événement « flash mob » Sharing Dance, dans le cadre du 150e anniversaire du Canada en 2018. L’an dernier, GeNie a conçu et réalisé Our Scene The Movie, un documentaire sur l’histoire du hip hop à Winnipeg. La ville de Winnipeg lui a remis le prix du Youth Role Model en 2009. Finaliste du palmarès CBC future 40 under 40, GeNie continue de défendre l’art de la danse et du cinéma au sein de sa communauté.

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L’invitation à participer à ce projet a suscité en moi à la fois enthousiasme et valorisation. C’est une occasion de pouvoir raconter nos expériences de façon personnelle et authentique, et de pouvoir formuler ce que nous avons vécu au cours de la dernière année - et même avant -, de partager nos expériences, nos émotions, nos pensées, nos idées et nos rêves à travers le pays. J’espère que ce projet saura représenter la résilience et la vigueur qui coulent dans les veines des Noir.e.s du Canada – leur passion, leur art, leur histoire. Mon souhait est que ce film puisse non seulement interpeller le public mais aussi nous rappeler la nécessité de créer un dialogue et de faire place à l’introspection. J’attends avec impatience la sortie du film et la continuation de cette collaboration avec mes collègues canadien·ne.s.

Gabrielle Martin, chorégraphe, acrobate, artiste de cirque et de danse contemporaine, est issue de la communauté salish de la côte (territoire non cédé) en Colombie-Britannique. Son travail de chorégraphe est centré sur l’étude du corps en mouvement et de ses limites physiques. Titulaire d’une licence en danse contemporaine de l'Université Concordia (Montréal, 2009), elle a présenté ses chorégraphies à l’échelle nationale de 2009 à 2011. Fascinée par l’effet de subversion éphémère de la gravité sur le corps dans l’acrobatie aérienne, elle explore cette forme d’expression, se produisant plus de 1400 fois à travers le monde dans le cadre de Cavalia (2011-2015), puis dans TORUK – Le premier envol, du Cirque du Soleil (2015-2019). En 2019, elle présente Limb(e)s pour Company CI à Montréal Complètement Cirque, à La Chapelle Scènes Contemporaines et au Assembly Festival Fringe d'Edimbourg (UK). Gabrielle a obtenu un certificat en dramaturgie de cirque du Centre National des Arts du Cirque (France) en 2020.

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GABRIELLE MARTIN

Musqueam, Squamish, Tsleil-Waututh Territory/VANCOUVER, BC

(elle/elle)

À l’idée de me retrouver devant la caméra, sans chorégraphie et comme mise à nu, je me suis sentie profondément soulagée. J’ai accueilli avec gratitude la chance de m’exprimer en toute authenticité, sans avoir à me justifier – moi qui depuis si longtemps utilise mon corps pour donner vie à la vision esthétique de quelqu’un d’autre, pour réaliser des objectifs qui ne sont pas les miens. De par ma nature de danseuse, j’ai tendance à l’autocritique et à l’insécurité (le fait d’être noire, d’être femme, et de ne pas avoir reçu de formation en ballet, entre autres). Cette invitation à prendre part à un mouvement collectif est pour moi une véritable fête.

LILIONA QUARMYNE

(elle/elle)

K'jipuktuk/HALIFAX, NS

Ce projet a été pour moi un périple au cœur de la mémoire, une occasion de tisser de nouveaux liens, et de combler notre désir de rapprochement et de communication. En tant que l’une des rares professionnelles noires de la danse contemporaine de Kjipuktuk/Halifax, ce projet est pour moi un cadeau – un moyen de nous affirmer qui nous rappelle que l’on peut voyager à travers le temps, déposer notre bagage, et nous rassembler en toute intégrité avec notre complexité, à la fois si belle et si contradictoire.

Liliona Quarmyne est danseuse, chorégraphe, comédienne, chanteuse, organisatrice communautaire et activiste. Au cours de son parcours éclectique, elle a participé à des productions de tous les styles et continue de se produire au Canada et sur la scène internationale. À titre d’artiste indépendante, elle crée des œuvres originales et contribue à l’élaboration de programmes communautaires, en plus d’agir comme directrice artistique de Kinetic Studio. Par le biais de sa vaste démarche artistique, Liliona s’intéresse particulièrement à la relation entre l’art et la justice sociale; elle s’interroge sur la capacité du corps à transmettre la mémoire de nos ancêtres, et sur les moyens avec lesquels les arts de la scène peuvent mener au changement. Liliona est la maman de deux adorables enfants, et aime se dévouer à sa communauté.

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Lisa La Touche est Canadienne et New-yorkaise. Sur Broadway, elle a participé à Shuffle Along (chorégraphie de Savion Glover, mise en scène de George C. Wolfe) - production saluée par le Fred Astaire Award de même que l’Actor’s Equity Award for Outstanding Broadway Chorus.  Lisa s’est produite dans le spectacle 70th Annual Tony Awards, Z (production originale d’Amazon), The beginning of everything et participé à la tournée de Stepz avec Savion Glover. Elle a fait partie de la distribution de STOMP pour la production new-yorkaise de même qu’en tournée. Sa compagnie Tap Phonics a reçu plusieurs commandes et créé de nouvelles œuvres pour The Brooklyn Museum, 92Y et Fall for Dance North.  Lisa a enseigné à PACE University, NYU, The School of Jacob’s Pillow, University of Calgary et Decidedly Jazz Danceworks. Elle a collaboré au conseil créatif de l’American Tap Dance Foundation. Le fait d’être maman constitue la réalisation dont elle est la plus fière. 

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LISA LA TOUCHE

 Mohkínstsis/CALGARY, AB

(elle/elle)

Ce projet est venu répondre à une prière. En tant que femme noire ayant retourné de Harlem au Canada (à Calgary, plus précisément) en ces temps où le monde s’éveille à l’importance de la vie des Noir·e·s, où la sensibilité est aiguisée… je me sentais très seule. Ce projet m’a permis de travailler auprès de ces « artivistes » noir·e·s qui m’ont vivement inspirée. J’ai trouvé un nouvel espoir et éprouvé un sentiment d’appartenance à mon pays que n’avais jusqu’à maintenant jamais ressenti. Peut-être pourrons-nous sauver quelques vies de plus, et enfin reconnaître la valeur de chaque vie, alors que nous amenons lumière et vigilance en tant que personnes de couleur et humains à part entière, et nous rapprochons les uns des autres dans ce vaste pays.

LIVONA

ELLIS

Musqueam, Squamish, Tsleil-Waututh Territory/VANCOUVER, BC 

(elle/elle)

En ces temps difficiles, ce projet m’a permis de côtoyer de belles âmes. Ce fut pour moi un bonheur que d’échanger et de partager un espace virtuel avec ces artistes, et j’en suis reconnaissante. J’ai immédiatement éprouvé un sentiment d’appartenance, même si nous étions des étrangers au début. Nos expériences individuelles et collectives sont empreintes de beauté et de douleur, et je suis persuadée que ce film saura toucher profondément le public.

Livona Ellis vit sur le territoire non cédé des Salish de la côte, près de Vancouver. Membre de Ballet BC de 2010 à 2018, elle est de retour au sein de la compagnie depuis octobre dernier. À titre d’artiste indépendante, elle a travaillé avec Jennifer McLeish-Lewis dans le cadre de EDAM Spring Series, ainsi qu’avec Rachel Meyer et Jennifer Mascall pour le Dancing on the Edge Festival 2019. Hors frontières, Livona a été invitée à danser au Konzert Theater Bern (Suisse) et s’est produite pour des organisations de renom dont Sadler’s Wells, Movimentos Festival Wolfsburg, Jacob’s Pillow, Fall for Dance NYC, Fall for Dance North, ainsi qu’au International Dance Festival Birmingham (U.K.). Elle a créé plusieurs œuvres pour Small Stage, Dance Deck Trois, Public Salon 2019, CAG Gala 2018 et Arts Umbrella Season Finale. Récipiendaire du Vancouver Mayor’s Arts Award for Emerging Artist en 2017, Livona a complété un stage auprès de Left on Main en janvier dernier. Elle travaille présentement à une œuvre qui sera créée dans le cadre de BC Movement Arts Society Dance Series. 

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Raoul “Jiggyman” Pillay s’est taillé une réputation remarquable tant au théâtre que dans l’univers des championnats de danse (world-renown battles). Toujours au fait des nouvelles méthodes d’apprentissage, Raoul se passionne pour l’enseignement. Artiste polyvalent, il est membre de la compagnie Holla Jazz (qui s’est mérité un prix Dora) et du collectif de danse The Moon Runners. Sa passion pour la mode l’a mené à tenter de nouvelles expériences. Il a notamment travaillé comme mannequin pour Walmart et dans le domaine du commerce électronique pour des boutiques de vêtements vintage. Pour Raoul, la vie est une longue aventure parsemée de nouvelles possibilités.

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RAOUL 

“JIGGYMAN”

PILLAY

Tkaronto/TORONTO, ON 

(il/lui)

Ce projet m’a mené à l’introspection et aidé à véhiculer mon message. On m’a offert un lieu pour exprimer une vérité qui m’est propre, en donnant libre cours à ma liberté d’expression, sans contrainte. J’espère que ce film provoquera un dialogue et une ouverture d’esprit. Même si nous avons en commun une réalité similaire, nos points de vue sont parfois opposés. Ma collaboration avec ce groupe a été une expérience novatrice.

RAVYN WNGZ

Tkaronto/TORONTO, ON 

(elle/elle)

Ravyn Wngz “The Black Widow of Burlesque '' est de descendance tanzanienne, bermudienne et Mohawk. Personne cisgenre, Ravyn travaille à la valorisation et l’émancipation des personnes trans. Abolitionniste, elle est co-fondatrice de la ILL NANA/DiverseCity Dance Company et de Black Lives Matter Canada. Auteure à succès, Ravyn fait partie du palmarès « Top 25 Women of Influence in Canada » de 2021. Avec le chapitre torontois de Black Lives Matter, un mouvement décentralisé qui vise à mettre fin au racisme anti-noir, Ravyn apporte son appui aux membres de la communauté noire en quête de guérison et d’affranchissement. 

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 L’amour se définit comme un lien ultime et profond. Or, la danse est une forme ancestrale du langage de l’amour. Ce vocabulaire nous unit dans le deuil comme dans le partage. Il nous permet de grandir et de guérir. Ce projet est le cadeau qui mène à la guérison et j’ai accepté l’invitation avec gratitude. La société nous pousse à surmonter et à oublier pour aller de l’avant. Mais en prenant aujourd’hui la parole, nous venons interrompre ce discours pour raconter nos vérités, exposer nos peurs, formuler notre épuisement, nos espoirs, nos témoignages.

RONALD A. TAYLOR

 Tkaronto/TORONTO, ON

(il/lui)

Originaire de Trinidad et Tobago, Ronald Taylor est directeur artistique de Ronald Taylor Dance (compagnie torontoise autrefois appelée Canboulay Dance Theatre). Une bourse lui a permis d’étudier à la prestigieuse Juilliard School de New York, où il a obtenu son diplôme de Bachelor of Fine Arts in Dance. Il a remporté le Maxwell and Muriel Bluck Scholarship ainsi que le Dance Theatre of Harlem Scholarship Award. Il se consacre à former de jeunes artistes de théâtre et de danse, tout en collaborant avec Dance Ontario/Dance Works ainsi que Dance Immersion. Ronald qualifie son style chorégraphique de « danse contemporaine caribéenne » - une fusion de danse moderne, de folklore caribéen, de ballet et d’improvisation. Détenteur d’une maîtrise de la York University de Toronto, il a enseigné la danse à la University of The West Indies (St. Augustine Campus à Trinidad et Tobago), de même qu’à la York University (Faculty of Fine Arts Dance Program).

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En reconnaissant ceux qui nous ont précédés, en honorant nos ancêtres J’envisage des jours embrasés, des nuits éclairées par la lune Des flots d’étoiles filantes Des vallées, des étangs, des rivières Des branches renversées L’ampleur des eaux vives, douces et fraîches Le lointain murmure d’animaux mystérieux Leurs litanies à Buddha Le soleil matinal caressant les montagnes Le sourd roulement de la terre qui s’éveille Et de la lumière qui transforme ses semences La brise qui berce les arbres La résilience et le flot incessant qui renaissent enfin Dans un état de bien-être Ces anciens préceptes nous rappellent à la vigilance À l’égard du passé, du présent Et des générations futures

"Black artists are not monolithic. From different experiences and varying practices, living in different parts of the country, while many of us experience some of the same challenges, many of us are experiencing challenging lifestyles in different ways.

 

I am grateful for the opportunity to connect with those in different cities and begin that relationship building that I so desperately desire."

"Black artists are not monolithic. From different experiences and varying practices, living in different parts of the country, while many of us experience some of the same challenges, many of us are experiencing challenging lifestyles in different ways.

 

I am grateful for the opportunity to connect with those in different cities and begin that relationship building that I so desperately desire."

Nominée au prix K.M. Hunter en 2016/17/18, Lua Shayenne conjugue danse, musique et texte pour illustrer ses récits. Elle intègre à sa pratique artistique ses racines africaines et sa foi. Elle souhaite « susciter une conquête spirituelle » avec ses créations uniques, inspirantes, pertinentes. À titre de directrice artistique de la Lua Shayenne Dance Company (LSDC), elle a commandé, produit et exécuté KIRA (œuvre nominée pour un prix Dora) et The Path | La Voie (présentée au Festival Luminato puis en tournée ontarienne). Elle a créé et interprété Tales and Dance Around the Baobab, une série de danse et théâtre jeunesse. Lua se produit en tournée avec Holoscenes de Lars Jan (NY/LA), une installation multidisciplinaire sur le changement climatique aussi présentée à Toronto, en Floride, à New York, Londres (U.K.), Abu Dhabi et en Australie. Lua s’est produite avec FFDN, Sharing Dance (École nationale de Ballet du Canada), Dusk Dances/Canadian Stage (High Park), et JAMII, événement éclectique torontois qui a présenté SEVEN. Récipiendaire du “BMO seeds Fund Award for Artists working in community” en 2013, Lua offre à la communauté et aux écoles une programmation stimulante qui intègre danse africaine, musique et récits.

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LUA SHAYENNE

Tkaronto/TORONTO, ON 

(elle/elle)

J’espère que ce projet saura illustrer un point de vue commun, et démontrer l’impact de l’action solidaire des organismes artistiques au Canada. Ce projet reflète la profondeur et la pertinence de nos conversations et laisse entrevoir la guérison possible pour les artistes de la communauté noire par le prisme de la liberté d’expression artistique. Ce projet m’a permis d’écouter, de partager, de collaborer avec des artistes noir·e·s canadien·ne·s de grand talent, et j’en suis reconnaissante. Ce fut un merveilleux apprentissage

ALEXANDRA "SPICEY"

LANDÉ

 Tiohtià:ke/MONTREAL, QC 

(elle/elle)

Reconnue au Canada pour ses chorégraphies de style street dance, Alexandra “Spicey” Lande crée sa première œuvre Retrospek en coproduction avec M.A.I. Elle fonde le concours Bust A Move présenté par la TOHU (Montréal) en 2005. Sa deuxième œuvre d’envergure, Renézance est présentée par Tangente en 2009. En 2011, Spicey participe à la tournée Michael Jackson Immortal du Cirque du Soleil à titre de consultante et coach, puis agit comme chorégraphe et coach pour « Ils Dansent », une émission de Nico Archambault à la télévision de Radio-Canada. En 2015, elle se joint au jury du concours Eurovision Young Dancer (République tchèque). En 2015, Spicey s’entoure d’artistes qui l’inspirent et fonde la compagnie Ebnflōh Dance qui présente Complexe R - une première création illustrant les obsessions propres aux humains. En janvier 2019, le festival M.A.I. présente In-Ward, co-produite avec CCOV. Avec Ebnflōh, Spicey utilise un langage qui reflète sa vision et s’affirme comme une chorégraphe à la voix unique. 

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